Auf dem Weg zur Generalprobe für die Aufführung der h-Moll-Messe im Kloster Kamp heute bin ich ins Grübeln geraten: Es gibt wohl kaum eine Aufführung dieser Messe, bei der nicht deren erster Verleger, Hans Georg Nägeli, im Programmheft zitiert wird; er kündigt den Erstdruck 1818 in der Allgemeinen musikalischen Zeitung mit den Worten an, es handle sich bei der h-Moll-Messe um das größte musikalische Kunstwerk aller Zeiten und Völker.
Möglicherweise war das nur eine Marketingstrategie. Aber dessen ungeachtet ist es offensichtlich eine nicht ernsthaft aufzustellende Behauptung, sowohl der globalen, als auch der überzeitlichen Perspektive wegen. Michael Prätorius sah das Ende der Musikgeschichte gekommen, Gesualdo da Venosa wähnte sich kompositorisch ebenso in einer Sackgasse wie es später Gustav Mahler empfunden haben muss: sie alle konnten nicht vorausahnen, was nach ihnen - und anderswo - noch Großartiges zu schaffen möglich wurde. Warum sollte das auf Nägeli nicht zutreffen? Mich stoßen daher Hybris und Pathos der Aussage Nägelis ab - unabhängig davon, wie sehr ich die h-Moll-Messe liebe und verehre.
Mir stellt sich die Frage, inwiefern und ob man überhaupt Kunstwerke miteinander vergleichen kann. Anselm Hartmann antwortete mal auf die Frage, welches Musikstück in seinen Augen das größte sei, mit dem Satzt: „Immer dasjenige, das ich gerade übe.“ Diese Antwort hat eine Komponente, die sich erst auf den zweiten Blick erschließt: nicht nur wählt der Künstler selbstverständlich das Kunstwerk aus, das ihm gefällt. Auch das Kunstwerk selbst bewirkt Attraktion, es spricht den Künstler an, und je tiefschürfender dieser sich mit ihm beschäftigt, desto mehr.
Theodor W. Adorno unterstellt dem Kunstwerk viel mehr, Intention und Willen: Der „eigentümliche“ Zwang, unvergleichliche Kunstwerke miteinander zu vergleichen und gegeneinander zu werten sei „in den Kunstwerken selber gelegen. Soviel ist wahr, vergleichen lassen sie sich nicht. Aber sie wollen einander vernichten.“
Vernichtungswillige, destruktive Kunstwerke? Ein befremdlicher Gedanke, wenn es doch um Schönheit gehen soll. Und es ist genau der absolute Schönheitsanspruch, den nach Adorno jedes Werk ungeteilt und vollkommen für sich beansprucht. So totalitär, daß es in seinen Augen kein Nebeneinander von Kunstwerken, keine „ästhetische Toleranz“ geben kann.
Adornos Gedanken sind allerdings nicht diejenigen Nägelis. Und die Postmoderne brachte diesen vollständig entgegenstehende Ideen hervor.
Heute habe ich neben der allfreitäglichen Chorprobe weitere Arbeitstreffen: Ursula Dortans-Bremm und Jutta Hetges proben in der Remigiuskirche für ihr Konzert am nächsten Sonntag. Meine wärmste Empfehlung für dieses Konzert - leider gibt es zum gleichen Termin andere innerstädtische Konzerte.
Nachmittags treffe ich Sabine Ley, Blockflöte und Theressa Icking, Violine, um das Programm für die Matinée am 10. Juni festzuzurren.
Musik ist objektiv beschreib– und beurteilbar. Diejenigen, die ein musikalisches Geschmacksurteil ohne Qualitätsdiskussion absolut setzen (mir gefällt halt dieses, Dir jenes), tun der Musik unrecht, auch jener, die sie persönlich favorisieren. Eine Diskussion bedeutet gerade, den jeweils anderen Stil ernst zu nehmen. „Geltenlassen“ heißt nicht: nicht diskutieren.
Ich habe, nachdem ich es schon mehrfach ins Auge gefasst hatte, für Palmsonntag 2018 ein Konzert nur mit der Kurrende und dem Kantatenzyklus Membra Iesu Nostri von Dietrich Buxtehude (1637 - 1707) auf den Plan gesetzt. Eine Musik, die mich sehr fasziniert; ich freue mich auf das Einstudieren.
Am Kloster Kamp. Nächste Woche spiele ich hier mit bei Bachs Messe in h-Moll mit dem Vokalensemble Dissonanz, Vokalsolisten und Mitgliedern der Duisburger Philharmoniker unter Leitung von Uwe Sin.
Eine kurze Diskussion über ideologische Wahrheitsansprüche in der Postmoderne auf der heutigen Ganztagsklausur in St. Remigius war mir Anlaß, nochmal ein Youtube-Video anzusehen: Wahrheit - eine Annäherung - Ein philosophischer Vortrag zum Begriff der Wahrheit von Dr. Anselm Hartmann, gehalten im November letzten Jahres. Dr. Hartmann ist Management Consultant und bietet eine systemische, prozessorientierte Fachberatung im österreichischen Feldkirch.
Ich bin im Rahmen meiner Tätigkeit in Grundschulen eher am Rande, aber über den Beruf meiner Frau intensiv mit dem Thema „Inklusion“ konfrontiert. Gestern machte mich in einer Diskussion Christoph Reiners auf den heute startenden Kinofilm „Ich. Du. Inklusion.“ aufmerksam. Der Film über die Realität der Inklusionsbemühungen in NRW und deren faktisches Scheitern wurde an einer Grundschule in Uedem gedreht und stammt von Thomas Binn, den ich aus meiner eigenen Schulzeit kenne. Zum Kinostart führte der Deutschladfunk ein Interview mit ihm: Armutserklärung für Deutschland.
Es ist gut und notwendig, die den „neuen geistlichen Liedern“ zuzurechnenden Nummern im Gesangbuch auch in Bezug auf das Instrumentarium adäquat zu begleiten. Gerade bei den Erstkommunionfeiern (in unserer Pfarrei gibt es sieben) ist mir dies wichtig, und so danke ich Holger Trellenkamp, Stefan Trellenkamp, Sabine Ley, Felix Schröder sowie Britta und Gerrit Holtschoppen für die große Hilfe in diesen Tagen.
Das Düsseldorfer Museum Kunstpalast lockte mich heute mit seiner sehenswerten Lucas-Cranach-Ausstellung Meister - Marke - Moderne.
Es mag ein besonders tugendreicher Humanist gewesen sein, der die lateinisch abgefasste Warnung vor Cupidos Wollust seinem berühmten Akt Venus und Cupido hinzufügte: sie steht jedenfalls in einem äußerst krassen Gegensatz zum sonstigen Gehalt des wirklich großartigen Aktes und erinnert mich an die Gesundheitswarnung auf Zigarettenschachteln („Rauchen gefährdet Ihre Gesundheit“).
Kopie, das Spiel mit Nachgemachtem und Fast-Originalem ist nicht nur ein höchst aktueller Topos, sondern auch das Thema Leila Pazookis Projekt Fair Trade, das aus den Ergebnissen eines Wettbewerbes besteht, bei dem 100 Künstler 7 Stunden Zeit bekamen, Cranachs Justitia zu kopieren, ohne das Original zu sehen. Die dadurch entstehende Wand mit Kopien dieses Bildes im Ausstellungsbereich mit den zeitgenössischen Kunstwerken, ist schon allein physisch sehr beeindruckend.
Nach Probe und Dienst war ich noch im Sinfoniekonzert in der Viersener Festhalle: Das Orchestre Philharmonique du Luxembourg ergänzte mit Brahms und Mozart jene neuzeitlichen Epochen der Kunstgeschichte, die mir an diesem Tag noch gefehlt hatten. Dessen Leiter, Gustavo Gimeno beeindruckte mich eher durch das, was er durch seine recht großen Dirigierbewegungen bewußt nicht anzeigte. Faszinierend für mich: Den Solisten Daishin Kashimoto, Violine und Amihai Grosz, Viola gelang der offensichtlich heterogenen Klanglichkeit ihrer Instrumente und auch ihrer eigenen differierenden Klangvorstellungen zum Trotz ein agogisch extrem gut aufeinander abgestimmtes Spiel.
Ich habe mir heute nach längerem mal Zeit genommen, Mozarts Vesperae solennes de confessore ganz zu hören. Und wieder fiel mir auf, wie sehr „Komposition“ auch satzübergreifend zu vertehen ist: Das - mit Verlaub - totgespielte Laudate Dominum ist im Kontext der anderen Sätze, insbesondere der unmittelbar vor ihm stehenden und zu Mozarts Zeit sicher archaisch anmutenden Fuge Laudate Pueri von ganz anderem Schmelz als auf diesen unsäglichen „Highlights“-Sammlungen.
Heute war ich mit meiner Familie in der HfMT Köln in einer sehr gelungenen Nachmittagsvorstellung von Humperdincks Oper „Hänsel und Gretel“ unter Leitung meines großartigen Viersener Organisten-Kollegen Prof. Stephan E. Wehr.
Es war schön zu sehen, daß viele Kinder anwesend waren. Sie umringten in der Pause und während des Stimmens zum dritten Akt den Orchestergraben neugierig; ein sehr schönes Bild.
Wieder wurde von mir zu einer Beerdigung „das Ave Maria” gewünscht. Falls der Wunsch nicht mittelbar an mich herangetragen wird, entsteht meist zunächst Verwirrung darüber, dass diese Bezeichnung alles andere als eindeutig ist: es gibt ja tausende Vertonungen dieses Textes. In den meisten Fällen ist Bachs C-Dur-Präludium BWV 846 gemeint, dem Charles Gounod 1852 neben dem Schwenckeschen Takt ziemlich gelungen eine Melodie hinzufügte.
Nun wäre es eine Illusion anzunehmen, als Musiker einen klar definierten oder auch nur definierbaren Gehalt zu transportieren, und der Hinweis auf die Intertextualität von Kunstwerken wäre gerade in diesem Fall eine Platitude. Dennoch frage ich mich im vollen Bewußtsein interpretatorischer und rezeptorischer Unkontrollierbarkeit: Ist es überhaupt noch rezipierbar? Seit das Stück inflationär in Kaufhäusern, Fahrstühlen, Weihnachtsmärkten und zu allen Handlungen erklingt, die irgendjemand als sakral oder besonders fromm - oder eben auch genau dies nicht - empfindet, vollkommen jenseits irgendwelcher inhaltlicher (z.B.: marianischer) Zusammenhänge, erscheint es seines originären Gehalts so nachhaltig entleert wie eine weiße Projektionsfläche.
Da stellt sich schon die Frage, warum jemand sich dieses Stück wünscht. Oder besser: warum ihm der Vorzug vor anderen Stücken gegeben werden soll.
Meine Reaktion besteht regelmäßig darin, aus Respekt vor den Wünschen trauernder Angehöriger die Zusage zu machen, „die Melodie“ zu spielen. Und dann greife ich auf eine Bearbeitung meines Vor-Vorgängers zurück, die dieser vor mindestens 50, wahrscheinlich schon 60 Jahren mit Tinte auf ein dickes Stück Papier gemalt hat. Mein unmittelbarer Vorgänger hat es mir überlassen, und ich trage es als Digitalisat normalerweise bei mir. Es erklingt mithin nicht „das Ave Maria“, sondern eine Bearbeitung der Bearbeitung der Vorlage. Die Melodie ist präsent, auch die Harmonien. Bachs Figurationen dagegen kaum. Ein Torso, dessen Aufführung mir einerseits angesichts der Kompositionsgeschichte des Stücks selbst und andererseits angesichts der an St. Remigius mithin ein halbes Jahrhundert von kompetenter Hand herrschenden Praxis gerechtfertigt erscheint.
Die Infragestellung durch die Rezeptionsgeschichte und die damit verbundene Frage, ob es nicht besser wäre, das Stück um des Stücks Willen vorübergehend einfach zu vergessen, bleibt allerdings bestehen.
Am Sonntag war der Musikwissenschaftler und Journalist Guido Krawinkel zur Ostermesse in die Remigiuskirche gekommen. Ein netter Kontakt, wir nutzten die Gelegenheit zu einem kurzen und freundlichen Gedankenaustausch.
Christine Léa Meier und Sandra Schares nach dem heutigen Passionskonzert in der Remigiuskirche mit dem „Stabat Mater“ von Giovanni Battista Pergolesi und Passionsarien von Johann Sebastian Bach.
Der Nachmittag heute war geprägt von einer konzentrierten und intensiven Probe für das Konzert morgen in St. Remigius. Bei den Streichern hat es eine Umbesetzung gegeben: die Cellopartie spielt nun Theresa Ondruj (allerdings … auf einem analogen Cello).
Ich freue mich sehr auf das Konzert, insbesondere auf die beiden Solistinnen. Die Probe war sehr vielversprechend.
Am Ostersonntag steht in der Remigiuskirche die Messe solennelle in cis-Moll von Louis Vierne (1870 - 1937) für Chor und zwei Orgeln (und in diesem Fall: Streichensemble) auf dem Programm. Das Notenmaterial zur Messe hat freundlicherweise Hugo Redecker im letzten Jahr gestiftet; sie passt hervorragend zur französischen Hauptorgel der Remigiuskirche.
Gestern abend hatte ich mit ihm und Martin Hönig schon eine Probe zur dritt, um die Koordination zwischen Chor-und Hauptorgel vor Ort auszuloten. Selbst in der relativ kleinen Remigiuskirche ist das akustisch nicht unproblematisch. Freilich bin ich davon überzeugt, daß Vierne eine gewisse Unschärfe mit einkomponiert hat: wie sonst hat das in den Pariser Kathedralen funktionieren können (das Kirchenschiff von Notre-Dame ist im Inneren 130 Meter lang; St.-Sulpice, wo die Messe 1901 uraufgeführt wurde, 118 Meter)?
Heute haben wir beide Orgeln der Remigiuskirche gestimmt (Dank an Tobias Mesterom und Lea Kynast), und morgen wird es dann die Generalprobe mit allen Beteiligten geben.
Gestern war ich mit meiner Tochter in der Kölner Live Music Hall auf einem Konzert mit Dat Adam.
Da ich mit dieser Musik eher wenig anfangen kann, gab es mir Gelegenheit, Milieustudien zu betreiben: die eigentlich zu jungen Hauptsache-wie-zwanzig-aussehen-Teenager, die auf den letzten Drücker Erwachsene suchen, die sie an der Kasse als Begleitpersonen angeben können, die Mütter, die am Rand stehend Rucksäcke wildfremder Personen in Obhut nehmen mit der Zusage, sich während des Konzerts nicht vom Fleck zu rühren, die vielen bis zur Uniformität individualisierten Teenager, sich als deplaziert wahrnehmende Väter wie mich, die nur da waren, um ihren nicht volljährigen Kindern die Teilnahme zu ermöglichen (man traf sich schon vor Ende des Konzerts außerhalb der Halle am Bierstand, sehr nette Gespräche übrigens, oder sagen wir szenetypisch: nice), und die am Ende des Konzert zum Merch strebenden Besucher im Studentenalter, die rasch bei den wartenden Eltern vorbeikamen mit dem Ruf „Mama, ich brauch Geld“.
Ich wälze Theodor W. Adornos Satz: „Kunst ist das Versprechen des Glücks, das gebrochen wird“, der natürlich in der Negation zu verstehen ist: Wenn sich Kunstwerke dem falschen Schein unmittelbarer sinnlich-mimetischer Glückserfahrung zugunsten konstruktiv-geistiger Beschaffenheit verweigern, können sie gerade in der „Absage an das Kinderglücke“ zur „Allegorie scheinlos gegenwärtigen Glücks“ werden.
Heute beerdigen wir Christa Dreesen-Rohm, die am letzten Mittwoch im Alter von 63 Jahren verstorben ist.
Nachdem sie mich - es muss 2011 gewesen sein - um Orgelunterricht gebeten hatte, kam sie gewisse Zeit später auch in den Remigiuschor und ließ sich auch auf diverse Projekte anderer Chöre von mir ein. Ich erinnere mich gut an die Hochzeit ihrer Tochter in der für diese Zwecke prädestiniert erscheinenden Kapelle „Klein Jerusalem“, die wir in Cross-Over-Manier mit Band und Projektchor stemmten. Sie hatte ein kirchenmusikalisches C-Examen und teilte mit mir die Faszination für die Kontrapunktik Frobergers, der wir im Unterricht gemeinsam nachspürten.
Möge sie ruhen in Frieden!
Binnen eines Monats habe ich nun krebsbedingt und viel zu früh zwei meiner Orgelschülerinnen verloren. Bisher ein schreckliches Jahr.
